Cyril Lepetit: L’intervista | Interview with Cyril Lepetit | di Francesca Di Fraia

Incontro Cyril Lepetit alla Danielle Arnaud Contemporary Art, una casa a schiera in stile georgiano adibita a galleria. E’ il luogo scelto dall’artista per la sua ultima mostra intitolata Planning che resterà aperta al pubblico fino al 23 giugno 2010. La casa rappresenta una cerniera tra la sfera intima della galleria ed il mondo esterno.

Il visitatore è accolto all’ingresso da un tappeto rosso che percorre l’intera lunghezza del corridoio (Mat 2010). Al piano terra la Sala Bianca e la Sala Gialla  ospitano rispettivamente dei dischi (Records 2008-2010) ed un video proiettato su di una parete rientrante. Sia i dischi che il video sono documentazioni della performance intitolata Technotrans (2008).  Il video è cadenzato da una serie di canti intonati in diverse lingue. L’artista spiega che si tratta di canti interpretati dai rifugiati con cui è venuto in contatto a Londra. Alcuni intonano canti tipici del proprio paese, altri scelgono una qualsiasi altra canzone inglese che conoscessero prima di giungere sull’isola britannica. Risalendo le scale verso il piano superiore ci si ritrova di fronte ad una struttura in legno (Access 2010) che rappresenta la scelta obbligata di un percorso da pianificare verso una vita futura. La mostra invita di fatti a riflettere sulle scelte che si fanno nel momento in cui si pianifica un percorso della propria esistenza. La struttura dà accesso alla Sala Verde attraverso una doppia entrata, si può scegliere di inginocchiarsi e passare attraverso l’angusto canale al disotto della piattaforma o di salire le scale evitando la fatica. La pianificazione può essere dunque di due tipi diversi ma il risultato è lo stesso indipendentemente dalla strada percorsa.  Lo spazio raggiunto rivela un ambiente dominato da un ampio tappeto di lana (Rug 2010) che reca l’immagine di una schermata che invita un ipotetico utente ad inserire una password di accesso. Lo spazio ospita inoltre quattro nature morte: Pomegranate, Pomegranate Flower, Pomegranate and crate e Poppy Flower, tutte realizzate quest’anno. La scelta del soggetto dei dipinti non è casuale. Le colture di fiori di papavero (poppy) rappresentavano una delle maggiori fonti di reddito in Afghanistan, luogo di provenienza di alcuni rifugiati di Technotrans, fino a quando uno spacciatore britannico  ha introdotto nel paese la coltura di melograni, molto più costosa e più redditizia di quella che sostituisce. L’artista mi spiega che il titolo della mostra, Planning (la pianificazione), allude a qualcosa di applicabile al concetto di desiderio. E’ la potenziale risposta a domande come ‘cosa vogliamo nella vita’, ‘quanto dobbiamo pianificare’, ‘quanto davvero seguiamo i nostri istinti’. Sono domande a cui nessuno, rifugiati o meno,  può sottrarsi in una società che porta l’individuo a pianificare il proprio futuro attraverso piani pensionistici, risparmi, e addirittura funerali. Lasciando la Sala Verde Cyril Lepetit mi invita a seguirlo in giardino, dove una flora rigogliosa fa da sfondo alla nostra conversazione sul suo lavoro e la sua vita da artista.

FDF: 1. Hai vissuto la tua vita da artista tra Parigi, Taiwan, il Giappone fino a che non ti sei trasferito a Londra.  Che tipo di contesto sociale o artistico ti ha attratto?

CL: 1. E’ in parte vero che il motivo per cui mi sono spostato a Londra fosse dovuto al richiamo del suo panorama artistico. E’ anche vero che venivo spesso in Inghilterra anche quando vivevo ancora in Normandia, dove sono cresciuto. Mi sono sempre sentito vicino alla cultura pop, e per pop intendo quella generazione degli anni ’60 che dai Rolling Stones in poi ha sempre avuto un certo impatto su di me. Nel 1993 trascorsi un anno da studente Erasmus all’Università di Belfast, ed è lì che ho cominciato a sviluppare la mia arte. Subii l’influenza  della cultura pop e della lingua inglese al punto che preferivo presentare i miei lavori in inglese per motivi di maggiore praticità, soprattutto quando sentivo il bisogno di essere più esplicito. Di grande importanza per me è stato l’incontro con il professore d’arte ed artista scozzese  Alastair MacLennan, il cui lavoro era sostanzialmente performativo. Ero colpito dal modo in cui rendeva lo ‘spazio pubblico’ una parte integrante della propria performance, specialmente nel clima politico dell’Irlanda del Nord in quegli anni. Si trattava di azioni quotidiane alquanto banali che fungevano da potente significante all’interno di un contesto sociale marcato dalla presenza militare e teatro di “troubles”, che è il termine con cui gli irlandesi indicavano le lotte tra le comunità.  A Parigi sono stato bene e spesso mi manca ma Londra mi ha sempre affascinato. Ero attratto dalla multiculturalità della città e dalla possibilità di vivere all’estero. Dagli effetti che questa esperienza può avere sulla personalità e da come può trasformare l’identità di chi si sposta.

ISTRUZIONE
1995 Si laurea presso l’Istituto di Bella Art di Caen
1993 Trascorre un anno allo Ulster College of Art di Belfast

FDF: 2. Nel tuo lavoro fai spesso riferimento ad architettura e struttura. Che tipo di relazione ha l’architettura con il tuo fare artistico?

CL: 2. Amo gli spazi che tendono verso l’alto, rimodellare lo spazio o un oggetto. Questo fa parte della domanda che rivolgo al pubblico di osservatori così da fornire una situazione, un’impostazione mentale. Credo che l’architettura  sia un punto di riferimento per il modo in cui si sceglie di vivere la propria vita, il che è probabilmente il significato principale dell’architettura stessa. Ma quando si tratta di pensare ad una mostra, ad un oggetto o ad una struttura intesa come elemento scultoreo l’architettura pensata come impostazione mentale rappresenta il modo per rivolgere un quesito all’osservatore.

FDF: 3. Il tuo lavoro non si limita a video installazioni o performance. Ti occupi anche di video, pittura, scultura. C’è tra questi un medium che prediligi?

CL: 3. Non ne sono sicuro. E’ un pò come la vita ed i suoi cicli. Da quando mi sono trasferito i Inghilterra la gente mi chiede che tipo di artista sono, un pittore o… A me piace rispondere che uso diversi linguaggi, e i linguaggi non sono che modi diversi di esprimersi. La pittura è probabilmente la prima sorta di linguaggio a cui mi sono dedicato sin da ragazzo. I miei primi lavori erano dei dispositivi o delle installazioni totali in cui io stesso avevo un ruolo attivo, così come il pubblico che coinvolgevo. Sceglievo spesso il tema del ‘desiderio’ mettendo il corpo in relazione con delle forme architettoniche oppure oggetti, ed osservavo il comportamento delle persone che si trovavano intorno al mio lavoro. Mi sono spesso occupato di video realizzati con delle registrazioni di serate di apertura di un evento oppure di performance. Presentando il mio lavoro in continenti e contesti culturali diversi ho imparato a far sì che il mio lavoro raggiungesse l’obiettivo preposto. La conoscenza di determinate realtà sociali e culturali mi ha permesso di realizzare dei lavori più leggeri dal punto di vista tecnico e fisico. Utilizzo diverse tecniche per servire le mie idee. Concepisco prima l’idea, poi seleziono il medium più adatto a concretizzarla.

FDF: 4. Parlami di una delle tue mostre o performance all’estero.

CL: 4.  Nel 2002 fui invitato a Roma per una performance nel convento sconsacrato di Sant’ Ambrogio nel quartiere ebraico. Se sei in Italia e ti interessi di pittura non puoi metterla da parte. La mia performance si intitolava Ceiling Painting in riferimento alla Cappella Sistina che per molti è uno dei più grandi capolavori di tutti i tempi. Si trattava di una performance relativa al desiderio di intimità, di sessualità. E’ un tema che ritorna spesso nei miei lavori. La performance coinvolgeva un pubblico di pochi intimi. Io avevo una piccola tela e me ne stavo tra la gente. Soffiavo sulla fronte delle persone e soffiare in faccia comportava una forte invasione della loro intimità. Provavo a catturare lo sguardo del pubblico ma alcuni mi evitavano. Aspettai fino a che qualcuno mi guardasse negli occhi consentendomi di portare avanti la mia azione. Scelsi una giovane donna anche se una parte di me avrebbe preferito un uomo. Ero steso sul pavimento dipingendo sulla mia tela, che era appoggiata contro il pube della donna, ciò che immaginavo si trovasse dietro la tela stessa. Anche ad Helsinki ho svolto dei lavori di pittura. Ottenni delle impalcature a sette piattaforme e per tutto un pomeriggio ritrassi le sette persone che occupavano le piattaforme stesse. Si tratta di un progetto che non si è ancora concluso, infatti fino ad oggi ho realizzato trentasette dipinti di donne e uomini. Ho bisogno di continuare questa serie in virtù della ricchezza cromatica che apporta al corpus del mi lavoro, anche se preferisco tenere nascosta la mia opera pittorica.

FDF: 5. Come hai concepito la performance intitolata Technotrans (Technologie/Transports), e che ruolo vi ha svolto l’organizzazione artistica Collectif La Valise?

CL: 5. Collectif La Valise è un gruppo francese di tre artisti che lavorano su progetti di architettura sia in Francia che in Europa nello sforzo di raggiungere un ampio pubblico. Mi contattarono per lavorare con altri sei artisti ad un progetto impegnato nel sociale. Dovevamo realizzare un lavoro nel contesto di un evento pubblico. Il progetto si sarebbe svolto nel corso di un anno. Assieme all’invito mi inviarono una lista di eventi: una partita di calcio, le elezioni del nuovo sindaco, il Tour de France, vari tipi di convegni, fiere alimentari, convegni edilizi, e fu quando lessi del convegno sulle tecnologie per i trasporti che pensai ai rifugiati che avevo conosciuto a Londra ed ai loro canti che mi avevano commosso. Pensai che il canto potesse creare una potente alchimia se associato all’industria dei camion e della musica techno, un tipo di musica priva di testo. Inoltre, il ventuno giugno in Francia il Collectif La Valise presenterà un libro che raccoglie il materiale dei sette artisti coinvolti nel progetto. Ogni artista ha dovuto realizzare un poster da includere nella raccolta ed io ho scelto l’immagine di una rifugiata che tiene in mano un vinile. Ci saranno anche delle immagini della performance. Di fatti quando pensai a Technotrans mi curai di realizzare del materiale (registrazioni e fotografie) per documentare la performance permettendo all’azione di sopravvivere.

FDF: 6. Quello dell’International Exhibitionist è un progetto in cui tu operi da curatore coinvolgendo diversi artisti e progetti. Come hai iniziato?

CL: 6.  Quando mi trasferii in Inghilterra per far fronte al costo della vita a Londra lavoravo nella sala proiezioni di un cinema al centro. Quando il mio capo scoprì che ero un artista mi propose di usare il cinema per delle mostre. Così decisi di coinvolgere i vari artisti che avevo conosciuto viaggiando. Potevamo avere il cinema solo per un’ora, di conseguenza ogni artista aveva a disposizione solo dieci minuti ed il pubblico aveva la possibilità di vedere un po’ di ognuno. Era come andare in biblioteca, come leggere solo una parte dei libri che si consultano. Gli artisti potevano mostrare il proprio lavoro, se stessi, una traccia sonora o la registrazione di una performance. Ho fatto in modo di sviluppare l’International Exhibitionist in altri formati e contesti. Ad esempio, in occasione di una residenza presso gli studi del Camden Arts Centre durante una mostra dal titolo Archipeinture ho realizzato un progetto chiamato Moving in Architecture. Tornando all’International Exhibitionist, è un’attività che ancora svolgo assieme alla mia pratica artistica, è come una discussione, un dibattito. Mi piace che resti aperta, che continui ad evolversi.

Cyril Lepetit è un artista francese residente a Londra dal 2000. Prima di arrivare in Inghilterra ha vissuto a Parigi fino al 1998 e trascorso diversi anni tra Taiwan ed il Giappone. Alcune delle sue attività principali sono state la performance From our first caress to our last breath, will our desires have evolved presentata in occasione della mostra  Seduced: Sex and Art from Antiquity to Now al Barbican Art Gallery di Londra nel 2008. Il suo lavoro è stato anche parte della mostra collettiva London in Six Easy Steps (Part 4) all’ ICA di Londra nel 2005; Coalesce: Happenstance allo Smart Project Space di Amsterdam nel 2009; Metropolis Rize: New Art from London, al Dashanzi International Art Festival (DIAF) 798 Space di Shangai nel 2006; Moving in Architecture al Camden Art Centre di London nel 2006; Daily Noise, alla Leroy Nyman Gallery della Columbia University di New York nel 2006; Genetic Sculpture alla Art Concept Galerie di Parigi nel 2001; Centrefold, alla Zoo Art Fair di Londra nel 2006 (parte della collezione della Tate Modern). Lepetit gestisce inoltre l’ International Exhibitionist in qualità di curatore.

(traduzione italiana a cura di Francesca Di Fraia)

Links:
Danielle Arnaud Contemporary Art
123 Kennington Road
London SE1 1 6SF
Tel/Fax: +44 (o) 207 735 8292

• www.daniellearnaud.com
• www.international-exhibitionist.org
• www.cyril-lepetit.com

English Version

The artist agrees to meet me at the Danielle Arnaud Contemporary Art, a Georgian style detached house converted into a gallery.  It is the venue chosen for Lepetit’s latest exhibition entitled Planning open to the public until the 23^rd of June 2010. The house represents the connection point between the intimacy of a gallery and the outside world.

As we enter the house we are welcomed by a red mat running along the hall (Mat 2010). On the ground floor the White and the Yellow rooms host respectively the Records (2008-2010) and a video projected on a receding wall, both documentations from his performance Technotrans (2008). The video is given rhythm by voices singing songs in different languages.  The artist explains that they are songs sung by asylum seekers & refugees he has encountered in London. They were asked to sing songs from their home country and any English ones they knew before arriving in the UK.

As we take the stairs to reach the upper floor we come across the Access (2010), a wooden structure that offers the spectator a double choice to enter the Green Room. It looks like a bridge that the spectator can cross either on their knees passing through a channel running under the platform, or by climbing the stairs. Such a structure represents the moment of the choice, of the planning of one’s life in order to get to a target. The planning may vary from person to person but the result stays the same, which in this case is the Green Room. The space discloses a woolen Rug (2010) bearing a printed pattern asking for a password and four still lives: Pomegranate, Pomegranate Flower, Pomegranate and crate and Poppy Flower (all made in 2010). Lepetit’s subjects choice is never merely casual: the poppy used to account for one of the main financial resources in Afghanistan, country of origin of some refugees he met, until a British drugs dealer  introduced the more profitable pomegranate business. As we leave the Green Room, Cyril Lepetit invites me to follow him to the backyard, a luxuriant garden, where he grants me the privilege of a conversation about his artist life and work.

FDF: 1. As an artist you lived in Paris, in Taiwan and Japan, and eventually moved to London.
What sort of social or art background were you attracted by?

CL: 1. It’s partially true that the reason I came to London was related to its art landscape. But it’s also true that I grew up in Normandy, in Northern France, and I used to come to England quite regularly. Also, I’ve always felt very close to the Pop Culture, and by ‘pop’ I mean the generation of the 60’s from the Rolling Stones onward that it has always been influential to me. In 1993 I did part of my studies in Belfast. I attended the Arts College as an Erasmus student. Pop Culture and the English language influenced me to the point that when I had to introduce my work I did it in English for practical reasons, especially when I needed to be more direct. The encounter with the lecturer and Scottish artist Alastair MacLennan, whose work was mainly performative, had a strong impact on me.  I was affected by the way he appropriated the ‘public space’ in his performance, especially in the political climate of Northern Ireland at the time. They were quite banal everyday actions, but they took a very powerful signification within the context of the society marked by military presence and ‘the troubles’, which is the way the Northern Irish referred to the fighting between communities. I had a great time in Paris and often miss it. But London and its unique multiculturalism have always fascinated me. I was attracted by the experience of living abroad, by the effect it has on your personality and how it transforms your identity.

EDUCATION
1995 He graduates from the ENSBA, Caen
1993 He spends a year at the Ulster College of Art, Belfast

FDF: 2. In your work you often mention architecture and structure. What sort of impact has architecture on your work? And what is the nature of it?

CL: 2. I quite like rising spaces, remodeling a space or an object. That is part of the question that I address to an audience in order to set up a situation, a frame of mind. So architecture certainly has an influence on the way you live your life, which is perhaps the main definition of architecture. But when it comes to thinking about an exhibition, thinking about an object or structure as a sculptural element, architecture as a frame of mind is probably the way how to lead the audience to the questioning.

FDF: 3. Your work is not limited to video installations or performances.
You make use of a range of media: videos, sounds, installations, performances, paintings, sculptures. Do you privilege any of them above the others?

CL: 3. I am not sure. It’s quite like life and its cycles. Since I moved here to England people ask me what kind of artist I am, a painter or… And I quite like to answer that I use different languages, and languages are a means to express yourself.  Painting is probably the first sort of language I came up with as a kid. My early works were dispositives or total installations in which I involved myself and the audience. The theme was often ‘desire’ and the body was used in relation to architectural forms or objects. I wanted to observe the behaviour of the people around my work. I usually developed video pieces with the material shot during openings or performances. When presenting my work in other continents and other cultures I learnt how to make my work pursue my aims. The social and cultural awareness made my work physically and technically lighter. I use different media to serve my ideas. The idea comes first then I use the most appropriate medium.

FDF: 4. Could you tell me something about one of your exhibitions or performances abroad?

CL: 4. In 2002 I was invited to do some performances in Rome in the de-consecrated convent of Sant’Ambrogio in the Jewish ghetto. Being in Italy if you have an interest in painting you cannot put painting aside. The performance I did was called “Ceiling Painting” as a reference to the Sistine Chapel which is for many people one of the greatest masterpieces of all times. It was a performance about the desire of intimacy, sexuality. It’s a theme that often comes up in my work. It was a performance on a small and intimate scale. I had a little canvas and there were people around me. I blew at people’s foreheads, and blowing at their face felt like a strong invasion in their intimacy.  I was trying to make eye-contact with the audience, but some people avoided me. So I had to wait until someone looked at me in my eyes as to give me the consent to carry on. I chose a lady but part of me would have preferred a man. I was lying on the floor painting the body of a young lady who stood astride me and I started to paint what I would have wanted to see behind the canvas (which was in between the lady’s legs). I developed other works about paintings, like in Helsinki. I asked to have a scaffold with seven platforms and during the whole afternoon I portrayed seven different people on each platform. This series of paintings is an ongoing work. I have now thirty-seven paintings of both women and men. I feel a need to continue this series for the richness of colour it brings to the body of my work, even if I keep the paintings hidden.

FDF: 5. How did you start to conceive your performance Technotrans (Technologie/Transports), and how was the art organization involved in it?

CL: 5. Collectif La Valise is a French group of three artists working on architecture projects both in France and in the rest of Europe trying to bring art to a wider public. They contacted me to work with six artists on a socially engaged project. We had to develop a work within the context of a public event. They knew that their project would have taken place over a year. When they invited me they sent me a list of various public events like a football match, the election of the mayor, the Tour de France, many kind of conventions, food conventions, builders conventions, and that’s when I saw the transports convention entitled Technotrans, I immediately thought about the asylum seekers and refugees I met in London. I had been moved when I heard some of them singing. It made me think that their songs associated to the truck industry and techno music, which has no lyrics, would create a powerful alchemy. Moreover, on the twenty first of June Collectif La Valise will publish a book about the seven different artists who took part in their project. They will present the book in France. They have asked each artist to make a poster that they could include in the book. I have chosen the photograph of an asylum seeker holding a vinyl record. There will also be several images of the performance’s actions. Actually when I did Technotrans I also developed pieces of documentation, like photographs and records that I knew could survive even after the live action of the performance.

FDF: 6. You are also a curator leading a curatorial project called The International Exhibitionist where you involve other artists in your projects. How did you start?

CL: 6.  When I moved to England I worked as a projectionist to be able to face London’s high cost of living. So apart from carrying on my art work, I worked in a cinema in Shaftesbury Avenue. When the manager of the cinema found out that I was an artist he offered me to use the cinema for an exhibition. Travelling had put me in touch with many different artists so I thought that it could have been interesting to do a screening of films by different artists. I could only have the cinema for one hour, so the public could enjoy just bits and pieces from each artist. It was the same as going to the library where you only have the chance to take some fragments from the books you reed. So the artists could exhibit their work, show themselves even if it was for a short time, ten minutes maximum with a short film, a sound track or the record of a performance. Apart from that, I have developed the International Exhibitionist in other formats and contexts. For example, I had a residency in the arts studio at the Camden Arts Centre as part of an exhibition entitled ‘Archipeinture’ where I created a project called ‘Moving in Architecture’. Back to the International Exhibitionist, it is still something that I run along my practice, it is like a discussion, a debate.  And I like to keep it open, ever evolving.

Cyril Lepetit is a French artist residing in London since 2000. Before coming to England he lived in Paris until 1998 and spent a few years between Taiwan and Japan.  From our first caress to our last breath, will our desires have evolved? was the title of a performance he presented in Seduced: Sex and Art from Antiquity to Now, Barbican Art Gallery, London, 2008. His work was also seen in the group shows London in Six Easy Steps (Part 4) ICA, London, 2005; Coalesce: Happenstance, Smart Project Space, Amsterdam 2009; Metropolis Rize: New Art from London, Dashanzi International Art Festival (DIAF) 798 Space, Beijing & Design Center, Shangai, 2006; Moving in Architecture, Camden Art Centre, London 2006; Daily Noise, Leroy Nyman Gallery, Columbia University NY, 2006; Genetic Sculpture, Art Concept Galerie, Paris 2001; + si affinité Afiac, Les Abattoirs, Toulouse, 2006 and Centrefold, Zoo Art Fair, London, 2006 (Tate collection). Lepetit also runs the curatorial project International Exhibitionist alongside his practice.

Links:
Danielle Arnaud Contemporary Art
123 Kennington Road
London SE1 1 6SF
Tel/Fax: +44 (o) 207 735 8292

• www.daniellearnaud.com
• www.international-exhibitionist.org
• www.cyril-lepetit.com

Immagini | Picture:

• Technotrans 2008-2010 video 10 minutes variable dimensions
• Vue of the exhibition Technotrans Video projection
• Poppy Flower 2010 oil on canvas 25 x 25 cm
• Hall mat 2010 printed synthetic fabric, rubber 6m x 70cm
• Pomegranate and Crate 2010 acrylic and oil on canvas 39.5 x 40 cm
• Pomegranate 2010 acrylic and oil on canvas 30 x 30cm
• Pomegranate flower 2010 acrylic and oil on canvas 15 x 15cm
• Planning. Invitation Card
• Access View of the double entrance 2010 wood variable dimensions
• Records 2008-2010 records, wooden crate 14 x 120 x 80cm
• Rug 201 wool 240 x 150cm