Flavia Pitis. Truth

Flavia Pitis è un’artista nata nel 1978 a Brasov (RO). Questa intervista è la versione inedita in italiano di quella in lingua inglese per il catalogo Flavia Pitis. Truth  edito da Uwe Goldenstein & Martin Dýma, pubblicato da Selected Artists Edition, 2024 (Graphic design: Jana K. Kudrnová, Uwe Goldenstein); testi di Petr Vaňous e di Lucia Rossi.

Osservando la tua opera mi interrogo sulle parole di Georges Didi-Huberman, quando afferma che “Davanti ad un’immagine non bisogna solamente domandarsi quale storia essa documenti e di quale storia è contemporanea, ma anche quale memoria sedimenta e di quale rimosso essa è il ritorno”. Quale memoria sedimenta nei tuoi dipinti?

È difficile dire quanta parte di questo processo sia inconscia. Quanto c’è di memoria collettiva e quanto di storia personale? Posso parlare solo dell’aspetto intenzionale, che ovviamente è la superficie, poiché si basa su tutti gli strati sotterranei e sulle lenti personali di percezione che ho accumulato nel tempo, più o meno consapevole.

Il mio lavoro è radicato nell’esperienza dell’umanità sia a livello universale che personale. La mia ricerca si è mossa dal mettere in discussione il modo in cui percepiamo l’immagine attraverso la pittura come mezzo, che cosa è in grado di trasmettere o di suggerire un’immagine, che cosa è nascosto e che cosa è visibile, che cosa è sottile e che cosa è ovvio, che cosa può dire senza mostrare e come può essere veritiera e autentica quando ogni volta che qualcuno la vede, l’immagine viene ricostruita in base alla storia personale dello spettatore.

Poi, col tempo, la mia ricerca si è avvicinata a un approccio più personale, come un tentativo di comprendere la mia stessa umanità, lasciando in qualche modo la problematica generale dell’immagine sullo sfondo, e cercando solo di trovare la strada attraverso la mia esperienza personale.

Questo è avvenuto insieme allo sviluppo del mio interesse per la struttura ermetica di questa realtà, per il modo in cui questa si rivela in me e nel mondo circostante, e per il modo in cui posso rappresentarla in un modo che lasci spazio a ciò che non può essere visto, ma sentito e percepito, e penso che in realtà posso essere ancora più specifica quando c’è lo strato non visto del dipinto.

Mi rivolgo in questo modo a quel linguaggio che ci connette tutti senza parole, ma attraverso quella sensazione che semplicemente conosciamo e riconosciamo.

Quindi sei più interessata ad interrogare ciò che è nascosto ai nostri occhi che a rappresentare il visibile. Questo mi ricorda la lezione sulla “visibilità” di Italo Calvino in Lezioni Americane*, la sua vocazione a vedere ciò che sta oltre, partorendo una pagina a più dimensioni, illusionistica, allucinatoria, enigmatica, ma sempre di una assoluta chiarezza, insegnandoci a guardare il mondo della creatività con un’altra logica, altri metodi di conoscenza. Egli sa che in principio si può conoscere solo la superficie delle cose (e delle immagini), ma è proprio per questo che si spinge a «cercare quel che c’è sotto». In una delle Lezioni Americane scrive: «La parola collega la traccia visibile alla cosa invisibile, alla cosa assente, alla cosa desiderata o temuta, come un fragile ponte di fortuna gettato sul vuoto». Qual è l’oltre al quale guardi tu?

*Six Memos for the Next Millennium (Italian: Lezioni americane. Sei proposte per il prossimo millennio) is a book based on a series of lectures written by Italo Calvino for the Charles Eliot Norton Lectures at Harvard for the 1985-86 academic year, though Calvino died before delivering them.

Lo sento, come le parole, che in realtà non possiamo vedere, si rivelano in uno spazio del nostro parco giochi mentale dove sono realmente visibili, si alchimizzano in immagini che hanno più ingredienti del semplice significato della parola, poiché contengono anche una parte di noi, l’immaginazione, una parte della coscienza che la ospita.

Nella mia pittura, l’immagine che rappresento annulla le parole, è una scorciatoia verso quel parco giochi mentale che è generoso e autocostruito, e allo stesso tempo flessibile e veritiero. E mentre si sperimenta l’immagine, a un certo punto le parole cominciano a ritrovare la loro strada, perché fanno parte dei nostri meccanismi di percezione.

Una delle mie intenzioni per la mia arte è creare, suggerire quello spazio e portarvi lì con me. Così l’immagine attuale diventa più che altro un portale verso un altro tipo di visibilità con regole diverse dalla logica, appunto, e si rivolge a un altro tipo di mente, che funziona in modo così diverso e ci mostra che al di là di ciò che si guarda c’è quella verità.

 È la stessa operazione che fai anche con le tele piegate? 

Sì, credo che alcuni indizi di un’immagine siano sufficienti per accendere la nostra immaginazione e per completare il puzzle secondo lo stesso principio di visibilità.

Le parti nascoste delle pieghe sono le più intriganti perché invitano lo spettatore a partecipare, a co-creare e questo induce uno stato di risveglio in una nuova realtà sottile con altre regole, con altre domande.

Questo stato di dubbio è in primo luogo un conflitto tra la mente razionale e la mente immaginativa sognante, ma poi avviene un cambiamento e quel parco giochi di cui abbiamo parlato ti assorbe sempre di più ed è lì che avviene tutta la magia e la libertà prende il sopravvento senza bisogno dell’ordine convenzionale.

Inoltre la lezione americana sulla «visibilità» inizia proprio con una citazione dal Purgatorio di Dante: “La fantasia è un posto dove ci piove dentro”*. Ecco come si realizza la visibilità, partendo dalla fantasia e mettendo in pratica, criticamente, ciò che essa suggerisce. Con i cambiamenti “climatico-tecnologici” che stanno accadendo Calvino sembra suggerire che nella fantasia non ci piove dentro, ma ci diluvia, vi si creano delle vere e proprie tempeste  distruttive. Questa visibilità è quindi inserita da Calvino nell’elenco di valori da salvare, per non perdere la facoltà di pensare per immagini. Come riesci a gestire questo processo nelle tue immagini?

*Poi piovve dentro a l’alta fantasia” is Dante’s verse, taken from the XVII canto of Purgatory, which Italo Calvino chooses to introduce the lecture dedicated to Visibility.

Non so se noi esseri umani abbiamo ancora sviluppato la capacità di purificare le immagini nella loro testa e di ripristinare quello spazio mentale in cui le immagini entravano e vivevano liberamente.

E non credo che arriveremo mai a quel punto, ma c’è speranza perché la nostra possibilità è adattarci e imparare a navigare, selezionare e organizzare la nostra esperienza interiore come architetti del nostro destino. Ho accettato questa sfida vorticosa e sto imparando costantemente a navigare attraverso questa quantità schiacciante di immagini visive e a rimanere fedele alla mia autenticità, continuando a filtrare i pensieri attraverso la mia immaginazione.

Italo Calvino suggerisce che il vero pericolo è che l’area di gioco mentale, illusoria e immaginativa, scompaia e che ci si affidi solo alle immagini che si possono effettivamente vedere; credo che una volta che ci si allena e ci si affida a questa capacità di vedere l’invisibile, non la si possa perdere, ma forse faccio parte di una generazione che l’ha coltivata, trascorrendo abbastanza tempo in quello spazio finché non è diventato familiare.

Tuttavia, questa è una capacità fondamentale, intrinseca, che ogni essere umano possiede per disegno originale e, poiché “piove” in continuazione, non possiamo vivere completamente al di fuori di essa, ed eleva questa esperienza di vita a un altro livello di ricchezza, pienezza e bellezza.

Da un punto di vista tecnico, anche l’uso straordinario e consapevole che fai del chiaroscuro è indirizzato a questa finalità di vedere l’invisibile?

Poiché uso il mistero per lasciare spazio all’immaginazione, all’attenzione, al dubbio, creo le mie immagini in termini di luce e buio, sfruttando l’aspetto scultoreo delle cose.

Questo mi permette di dare credibilità all’intero scenario che propongo, al visto, ma anche al non visto. Ciò che esce dal buio e incontra la luce è la verità e mi piace mantenere sempre sullo sfondo qualcosa che è percepito solo dagli occhi mentali, ma molto presente e veritiero.

Il mio scopo è espandere la veridicità del “visto”, che spesso ottengo attraverso dettagli realistici modellati dalla luce e trasferirla al non visto, a ciò che sta dietro e non è visibile.

Questo è il risultato di un grande duro lavoro da parte tua per arrivare a quel punto. C’è stato un corpo di lavoro nella tua memoria che si distingue per essere particolarmente difficile, sia per iniziare che per completare?

Non direi che nulla di ciò che faccio in relazione al mio lavoro sia mai stato difficile, forse alcuni sono più impegnativi di altri, ma poiché trovo piacere in quelle provocazioni, vado avanti con curiosità e giocosità e mi metto deliberatamente in situazioni del genere perché mi stimolano ad andare avanti.

Quando trovo una zona di comfort nel mio lavoro e i passi successivi sono prevedibili e facili, per me è un segnale che non sono nel posto giusto, perché se non vengo messo alla prova perdo interesse e divento artisticamente pigro.

Sei nata a Brasov, in Romania. Quali aspetti della tua sensibilità artistica fai risalire al tuo Paese? Quanto è rilevante il tuo patrimonio per la tua arte? E quali sono state le tue prime fonti di ispirazione? Ci sono artisti di cui segui da vicino il lavoro oggi?

Sono diventata quello che sono in un contesto specifico che mi ha modulato in tanti modi. È difficile risalire a ciò che ha plasmato la mia sensibilità artistica fino a oggi, perché credo che le piccole cose, forse quelle ordinarie della vita quotidiana, siano quelle che mi hanno segnato di più.

Direi che il mio modo di percepire il mondo, l’ambiente della mia infanzia mi hanno portato all’arte, i libri che ho letto, la gioia di vivere nella mia immaginazione. Non sono stata veramente esposta all’arte nei miei primi anni di vita, dove sono cresciuta non c’era un ambiente artistico e le immagini a cui avevo accesso erano cliché e stereotipate.

Ma a casa nostra avevamo una grande collezione di libri, ereditati per lo più da mio nonno che era un libraio e un appassionato di libri, e io ho letto molto e disegnavo le storie come le vedevo nella mia mente, così mi sono esercitata a tradurre le immagini che avevo in testa e a renderle il più credibili possibile.

D’altra parte, mia madre aveva una piccola sartoria in casa nostra ed è lì che ho coltivato le mie abilità pratiche, giocando con i tessuti, tagliandoli e combinandoli, ho scoperto l’amore per i colori, le texture.

Quindi, per tornare alla sua domanda, non so quanto sia stata influenzata direttamente dal fatto di essere cresciuta lì, ma come contesto generale abbiamo vissuto un isolamento artistico e questo è stato probabilmente il motivo per cui ho sviluppato una forma di autenticità.

In seguito, quando ho iniziato a studiare arte ho assorbito tutto molto velocemente, ero affascinata dall’arte fiamminga e soprattutto dalla loro capacità di rendere vivide le immagini, dagli sfondi scuri, dai contrasti, dalla loro ricetta visiva.

Per quanto riguarda l’arte che mi interessa oggi, è un mondo diverso, seguo molti artisti con molte direzioni artistiche, più che altro per rimanere informata e connessa al mondo dell’arte e cercando di mantenere un sano equilibrio tra sapere e non sapere.

Quando parli di come hai coltivato le tue abilità pratiche grazie alla piccola sartoria, mi interesserebbe sapere come procedi esattamente oggi nella realizzazione dell’immagine. Parti da un’immagine fotografica, allestisci una scena?

Facendo questo da tempo, ho sviluppato un modo di guardare la vita sempre attraverso la lente della pittura. Durante la giornata mi capita molto spesso di fermarmi e di vedere qualcosa che scatena la mia immaginazione, quindi ho una biblioteca mentale sempre attiva ed elaboro continuamente immagini nella mia testa.

Ma so quando un’immagine è “pronta” perché la vedo chiaramente e la sento, so che ha tutto ciò che voglio e che mi dà un bisogno urgente di dipingere.

Poi raccolgo l’ispirazione, se necessario, come fotografie di dettagli, texture, oggetti o qualsiasi cosa io voglia, metto tutto insieme e poi inizio. Durante la pittura mi perdo nel processo, nel puro piacere di muovere il pennello, del colore, e cambio e perfeziono l’immagine durante il percorso. Il risultato è spesso molto diverso da quello che avevo visto all’inizio, ma ho comunque quello sguardo iniziale che mi guida fino alla fine.

 Come vedi il ruolo della figurazione nell’arte contemporanea?

Per me l’arte figurativa è un linguaggio, un ponte che collega a quel campo dell’immaginazione dove posso sempre chiedere di più. Prende elementi di questo mondo come strumenti per creare altri mondi, elementi universali che parlano per tutti e che possono essere usati per trasformare e trascendere.

C’è una fase per ogni artista in cui siamo più vicini a questa realtà o all’altra, usiamo questi strumenti più o meno, in modi diversi, ma così è per tutti, non solo per gli artisti, siamo tutti in stadi diversi di percezione ed evoluzione.  Ora la realtà virtuale è più vicina che mai, i social media sono il luogo in cui ci connettiamo, il denaro diventa sempre più un concetto, quindi siamo già molto vicini a vivere in un mondo parallelo e forse a visitare davvero la nostra immaginazione.

Quindi l’immagine figurativa è una forma di linguaggio che non ha a che fare solo con ciò che vediamo, ma con ciò e come percepiamo le molteplici realtà in cui viviamo.

I tuoi personaggi sono perfettamente calati in queste molteplici realtà oppure sono in sospeso?

Non vedo confini tra la vita e la pittura, quindi i personaggi che creo sono reali, scorrono facilmente tra gli strati della realtà in cui vivo. Per me la vita è proattiva, quindi l’attesa non è uno stato desiderabile, è piuttosto un adattamento permanente attraverso la curiosità e la presenza.

Sono io che creo questi mondi, quindi non c’è bisogno di aspettare che qualcosa accada per caso, sono io che dirigo il sogno ed è mia la responsabilità delle sensazioni che induco.

C’è anche una lieve solitudine attorno ai soggetti, ma di che natura è questa solitudine? Sono più che altro figure femminili, isolate, ma non sembrano mai sole.

Direi che i miei personaggi sono più inclini all’introspezione e la solitudine è la condizione perfetta per entrare in quello stato.

Voglio indurre uno stato di sogno che ci trasporti in un territorio immaginifico. Come in un paradosso, nell’isolamento diventiamo sempre più consapevoli che siamo tutti collegati, quindi c’è un senso di pace nell’essere soli.

Dipingo soprattutto figure femminili perché mi identifico con i personaggi, riconosco l’energia femminile ed è la mia lente per percepire tutto.

Hai mai pensato all’autoritratto?

Tutti i miei lavori sono autoritratti, più o meno espliciti, in realtà si tratta del mio mondo e di come percepisco le cose, di come tutto è visto dalla mia parte. Mi viene naturale essere il personaggio dei miei scenari. Anche quando dipingo personaggi di porcellana, mi identifico con loro.

A proposito dei personaggi di porcellana, qui i volti sono in un qualche modo mascherati. C’è un indirizzo più surrealista rispetto agli altri tuoi quadri? E che rapporto hai con l’arte della porcellana?

La porcellana è un materiale affascinante per me, con una superficie lucida e smaltata molto attraente, ma all’interno è bucherellata, impenetrabile, ancora molto fragile.

Sì, nei miei dipinti gli oggetti di porcellana sono umanizzati, anzi mascherati, e inducono la sensazione che chi si nasconde dietro questo oggetto apparentemente lucido sia in qualche modo nascosto e vivo. Mi piace che sulla superficie si rifletta la luce, che è già un buon travestimento per ciò che non è visibile ed evidente.

Il primo sguardo superficiale è sorpreso dalla materialità, dalla lucentezza attraente e poi c’è un altro strato con la sensazione che dietro ci sia una vita più vibrante.