Da quando il paesaggio ha definitivamente perso la sua dimensione decorativa e si è trasformato in un soggetto autonomo, carico di significati non solo metaforici, “racchiude – come dichiara Luisa Spagnoli – il senso del vissuto e del ricordo, come chiave di lettura per rileggere e ripercorrere le molteplici storie, identità, esperienze attese”. Non a caso, per Denis Cosgrove il paesaggio rappresenta “un modo di vedere il mondo”, con la sua duplice dimensione, oggettiva e soggettiva, materiale e immateriale.
Questi aspetti si colgono immediatamente nei lavori di Andrés Anza (Monterrey, Messico, 1991) che, infatti, titola Paisaje a la montaña, la sua seconda personale da Anna Marra Arte Contemporanea, curata da Marina Dacci.
Sebbene in un primo momento l’impianto allestitivo possa apparire didascalico e ridondante, contribuisce a conferire all’intera esposizione una dimensione esperienziale e, allo stesso tempo, crea uno stretto connubio tra gli elementi naturali e quelli creati dall’artista, assottigliando enormemente i confini degli uni e degli altri.
Una giustapposizione che sembra mostrare il punto di partenza delle opere in terracotta, ma che, al contempo, dimostra quanto siano lontane da una mìmesis di quello specifico spaccato di paesaggio: quello del Cerro de la Silla, la formazione montuosa che è parte integrante dell’intero tessuto urbanistico della città messicana e ne caratterizza, con la sua peculiare forma di sella, il profilo urbano.
Proprio per questa presenza montuosa, Monterrey è anche conosciuta come la Sultana del Norte o, più semplicemente, come Città della Montagna.
Attraversare la galleria, disseminata di una grande varietà di piante, di diverse dimensioni, nella quale perfettamente si accordano e si integrano i lavori di Anza, fa cogliere il personale approccio dell’artista a quel paesaggio “passando – come scrive la curatrice nel suo testo – da uno sguardo contemplativo a un’esperienza di attraversamento fisico […] capace di […] restituire l’energia della materia”: quindi non una veduta da contemplare ma un ecosistema complesso, non reale e, soprattutto, interiore.
Un paesaggio che, calato tra le pareti della galleria, incarna quella dualità dell’interno/esterno, vero/verosimile, finanche trasformandosi in un tranquillo hortus conclusus, un luogo silenzioso e riparato dal mondo, a misura d’uomo.
Una materia apparentemente respingente, poiché è cosparsa di aculei, che sono tutt’altro che minacciosi, ma che fissano una possibile distanza tra l’opera e il visitatore.
Le sculture di Anza, infatti, realizzate in terracotta, hanno forme squisitamente astratte che, tuttavia, come l’infantile gioco delle forme delle nuvole, possono evocare nello spettatore le più diverse affinità e somiglianze.
Opere con le quali compie una radicale riattualizzazione della tradizione, perché si avvale della tecnica dell’argilla refrattaria ma, anziché conferire loro un omogeneo aspetto lucido, mediante l’utilizzo di vernici acriliche, le rende generalmente opache, capaci di assorbire la luce dell’ambiente in cui sono calate, avvicinandole ancora di più agli elementi naturali da lui osservati ed elaborati, senza mai riprodurli fedelmente.
Ciò, naturalmente, fa scattare una certa ambiguità percettiva perché lo spettatore avverte qualcosa di familiare che non riesce però a identificare con esattezza. In questo modo l’artista, attraverso la selva di sculture, condivide dei dettagli della sua biografia, a cui conferisce forme che, in qualche modo, traducono, altresì, i grovigli della società, con le sue numerose ombre e luci.
Daniela Trincia nasce e vive a Roma. Dopo gli studi in storia dell’arte medievale si lascia conquistare dall’arte contemporanea. Cura mostre e collabora con alcune gallerie d’arte. Scrive, online e offline, su delle riviste di arte contemporanea e, dal 2011, collabora con "art a part of cult(ure)". Ama raccontare le periferie romane in bianco e nero, preferibilmente in 35mm.
